Hoy he rescatado esta foto antigua y he vuelto a experimentar con la técnica de las dobles exposiciones. Me encanta el resultado de la fusión de dos imágenes superpuestas en las que, de repente, uno se funde con cualquier elemento.

Ya ando preparando mentalmente mi maleta y quiero que en estos días sucedan dibujos, veladas de lectura y baños relajantes bajo cielos nublados y aguas heladas (me marcho al norte de España, así que el sol y la chicharrera brillarán por su ausencia…). Suena Mellon Collie and the infinite sadness y mi cabeza ya está viajando a tierras lejanas. Os deseo un feliz día.

1. SELF-PORTRAITS
Vivian Maier
Editorial Powerhouse Books
120 páginas

Este es el primer libro que encuentras al iniciar la visita por la exposición. Encuadernado en tela, recoge 60 autorretratos en blanco y  negro de la artista norteamericana, cuya obra ha sido recientemente descubierta y celebrada a lo ancho y largo del planeta.

Niñera de profesión y fotógrafa por afición, Vivian Maier, además de sus maravillosos autorretratos, la gran mayoría compuestos a través de espejos y reflejos, realizó centenares de fotografías en las que inmortalizó, con un notable talento, escenas urbanas de Chicago y Nueva York.

En vida no gozó de ningún reconocimiento como artista, llevándose su pasión por la fotografía en secreto a la tumba, aunque a día de hoy se la considera uno de los referentes de la fotografía callejera de Estados Unidos. Esta “Mary Poppins” de la vida real, en lugar de sacar lámparas y objetos variopintos de su bolso, llevaba siempre su cámara a cuestas para regalarnos una innumerable cantidad de imágenes espectaculares.

2. HUSTLERS
Philip Lorca diCorcia
Editorial: Steidl
168 páginas

El libro recoge las fotografías de la serie con el mismo nombre, proyecto realizado entre 1990 y 1992, en el que el fotógrafo estadounidense Philip-Lorca diCorcia se centra en la red de prostitución masculina de Hollywood, más concretamente en el boulevard de Santa Mónica, centro neurálgico de acción de las prostitutas y del tráfico de drogas.

Los protagonistas de estas imágenes son los Hustlers (chaperos) de la zona. diCorcia, además de realizar una interesante investigación sobre sobre la corrupción que tiñe de negro el algodonado concepto del sueño americano, vuelve a hacer un despliegue de sus aptitudes artísticas, de su visión y de su transgresor y fascinante enfoque de la realidad.

El libro, de dimensiones gigantescas, consta de 168 páginas cargadas de fotografías con atmósferas inquietantes, un uso del color maestro e iluminaciones dignas de las mejores producciones cinematográficas.

3. VEINS
Anders Petersen y Jacob Aue Sobol
Editor Deni Lewis
144 páginas

Bajo la irrefutable verdad de que a todos nos llegará la muerte, los ya categorizados como “documentalistas de la intimidad nórdicos” Anders Petersen y Jacob Aue Sobol, se aúnan para concebir este hermoso a la par que terrorífico fotoensayo, dividido en dos partes, una dedicada a la obra de cada artista.

A lo largo de las 144 páginas monocromas que componen esta edición cargada de elevadisimos contrastes y texturas granuladas, el lector podrá descubrir en cada fotografía un memento mori congelado en el tiempo.

Veins (venas en castellano) reflexiona acerca del amor, la naturaleza humana, la vida y la muerte a través de la mirada de dos fotógrafos que, aún siendo muy distintos en estilo y con una diferencia de edad notable, han fundido sus miradas ofreciéndonos un recorrido de altibajos emocionales pero lleno de armonía visual.

4. MANICOMIO
Raymond Depardon
Steidel Publishers
208 páginas

Este libro recoge algunas de las fotografías más impactantes que he visto nunca. Raymond Depardon (1942) es un fotógrafo francés, reconocido también como uno de los cineastas de culto del cine documental. Su proyecto “Manicomio”, realizado entre 1977 y 1981, está compuesto por una serie de imágenes instantáneas que reflejan el día a día de los enfermos ingresados en diferentes hospitales psiquiátricos de Italia.

Se trata de una intensa documentación gráfica en la que el lector podrá recorrer escalofriantes rincones y observar cómo sus protagonistas encierran los secretos más perturbadores de la naturaleza humana.

5. EMMET GOWIN
Fundación MAPFRE, TF Editores.
248 páginas

Esta es mi última recomendación de mi visita a la exposición. Un libro que recoge la extensa obra gráfica del fotógrafo norteamericano Emmet Gowin, considerado como uno de las artistas más versátiles y originales de la historia de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX.

Nació en Virginia y actualmente reside y trabaja en Pennsylvania. Bajo el apelativo de “fotógrafo de la intimidad”, Emmet nos invita a descubrir su percepción de la realidad a través de hermosas imágenes en la que la carga emocional y la sensibilidad plástica son dos pilares de referencia. Con una estética muy cinematográfica, este libro esconde en su interior numerosos retratos e intrigantes paisajes. Poesía visual en bandeja de plata.

Acabo de empezar mi ruta, esta es la tercera exposición que visito y creo que ha sido una de las que más me han gustado. La belleza evocadora de sus obras es difícil de explicar con palabras, cada pieza brilla con luz propia y te invita a perderte entre la marea abrumadora de sensualidad y delicadeza que desprenden. Sigo pensando que el valor de una obra se multiplica por millones cuando puedes observarla de cerca, en soporte físico, sin prisas y abriendo bien las cavidades oculares. Esta muestra es de obligada visita para todos aquellos amantes de la fotografía, de la moda y de las valiosas obras de arte que nunca pierden su sentido, su sensibilidad y su maestría por muchos años que pasen.

He vuelto a levantarme temprano para aprovechar las primeras horas de la mañana, esas en las que la afluencia de visitantes suele ser inferior a la de los fines de semana y he podido saborear cada fotografía, deleitándome largo rato con la visión mágica de Lillian Bassman, ¡qué placer!

La exposición es un homenaje a la carismática artista a dos años de su fallecimiento. La fundación Loewe, en colaboración con PhotoEspaña, ofrece un recorrido delicioso en el que el espectador puede adentrarse en su mundo sin reglas ni estereotipos. Lillian vivió la fotografía de moda en su faceta más espontánea y natural, dejándose llevar por su particular visión creativa y omitiendo los parámetros técnicos establecidos de la época, en los que los diseños debían lucirse rígidos y correctos.

Americana de origen judío, Lilliam pasó su juventud entre Brooklyn y Greenwich Village y empezó a trabajar para numerosas revistas de moda capturando a un tipo de mujer sofisticada que quedaba muy lejos de sus expectativas en el campo del retrato, aunque su espíritu inquieto y rebelde se reveló contra esta tesitura, destruyó la inmensa mayoría de sus negativos y decidió dar un giro de 360 grados al concepto y técnica de su obra. Muy interesada en la fase de post-producción, la artista retocaba sus imágenes, inicialmente a través de procesos analógicos y más tarde con Photoshop, siendo la copia en bruto solo una parte de la creatividad final de sus piezas. Bajo la influencia de su amor por la pintura y el dibujo, Bassman concibió un lenguaje único y su legado es uno de los más suculentos y enriquecedores en el campo de la fotografía de moda de todos los tiempos.

A mi particularmente me ha fascinado su técnica, sus desenfoques y esos altísimos contrastes entre luces y sombras. Si queréis conocer más detalles sobre la artista os recomiendo que leáis este interesante artículo de Borja Bas para El País, además de visitar la exposición en Loewe, ¡por supuesto!

Hasta el 27 de julio de 2014.

El Espacio Fundación Telefónica es un lugar genial, me encanta subir a pie las escaleras del recinto, perderme por sus habitáculos, observar las vistas del centro de Madrid desde sus enormes ventanales y, por supuesto, visitar alguna exposición interesante, en este caso, la que llena las paredes de la tercera planta, la primera muestra antológica del artista Antoni Arissa.

Se trata de una selección enorme de sus obras, más de 160 fotografías recuperadas por la Fundación Telefónica, comisariada por Valentín Vallhonrat y Rafael Levenfeld, en la que el visitante puede hacer un recorrido por la trayectoria del artista a través de tres etapas: la pictorialista (entre 1922 y 1928), la de su evolución hacia la modernidad (hasta la década de 1930) y la de la Nueva Visión (entre 1930 y 1936) cuando Antoni Arissa se adapta por completo a las nuevas vanguardias y en la que florece su faceta más experimental y personal.

Este compendio de imágenes en blanco y negro, cargadas de emociones y una técnica impecable, nos transporta a una España de transición visual llena de genialidad.

Antoni Arissa (San Andreu 1900 – Barcelona 1980), comenzó su andadura en la fotografía durante los años veinte, labor que compaginaba con su trabajo en una imprenta familiar. Perteneció a esa generación de artistas españoles que buscaban en la imagen un valor añadido para ensalzar la fotografía a la categoría de obra artística (movimiento pictorialista) bajo las influencias de la pintura pre-rafaelista y el simbolismo. Pero su percepción de la imagen va evolucionando y es a principios de los años treinta cuando se puede contemplar un cambio hacia la fotografía moderna vigente en el centro de Europa y que se centraba en la composición, las formas, los juegos de luces y la conceptualización de los objetos, lejos de la ostentación ornamental del pictorialismo.

Se podría categorizar como “el fotógrafo de las pequeñas cosas”, interesado en inmortalizar momentos cotidianos de su entorno. A lo largo de la exposición se pueden encontrar numerosos retratos, pasajes cotidianos en el interior de su casa familiar, escenas callejeras, marítimas y numerosas composiciones con objetos moldeados por interesantes juegos gráficos de luces y sombras.

Antoni Arissa fue uno de los máximos representantes de la vanguardia fotográfica en España y, tristemente, su obra no ha gozado de reconocimiento público durante más de ocho décadas. En los años noventa se rescataron seis de sus fotografías para la exposición Las vanguardias fotográficas en España, iniciando así la recuperación de su nombre y ahora, gracias a la Fundación Telefónica en colaboración con PhotoEspaña, el archivo del artista es inmenso y está disponible para todos los amantes de la buena fotografía. La exposición estará abierta al público hasta el 14 de septiembre, no te la pierdas.

Antoni Arissa. “Sin título” y “Mundial”. 1923-1929. Archivo Arissa Fundación Telefónica

Antoni Arissa. “Sin título” y “En el bosque”. 1923-1929. Archivo Arissa Fundación Telefónica

Antoni Arissa. “En la feria” y “Perchero y sombrero”. 1930-1936. Archivo Arissa Fundación Telefónica

]]> http://old.rociomontoya.com/photoespana-2014-antoni-arissa/feed/ 0 http://old.rociomontoya.com/mercado-central-de-diseno/ http://old.rociomontoya.com/mercado-central-de-diseno/#comments Wed, 28 May 2014 17:25:31 +0000 http://localhost/rocio/?p=3140 Inserción de una de mis fotografías en el fotomontaje creado para el MERCADO CENTRAL DE DISEÑO de MATADERO de Madrid.
Fotografía perteneciente a mi colobaración con Julieta Álvarez para BLACK EYES, su colección de piezas de joyería.

Tuvimos el placer de trabajar con Abel Rubelo, un chico maravilloso que, además de buen modelo, es una persona paciente, encantadora y súper divertida, fue una alegría conocerle, al igual que a Marissa Lee Larkin, estilista que asistió a Alejandro durante el editorial. Luego estábamos los de siempre con la foto fija y el vídeo (Alejandro Bazal y una servidora) y muero de ganas por meterle mano al material y empezar a seleccionar y editar.
La guinda del día fue el descubrimiento del Centro Hípico Bruitago, donde pudimos acceder a sus instalaciones, conocer las cuadras y la variada y espectacular colección de caballos que tienen y que nos dejaron para realizar la sesión. Los dueños, encantadores, nos acompañaron y nos ayudaron muchísimo durante el día, da gusto conocer a gente tan amable, les doy mil gracias por su hospitalidad.